Faire un film peut être quelque chose que vous faites pour vous amuser avec vos amis, ou quelque chose dont vous êtes complètement sérieux. De toute façon, c'est un processus qui prend un peu de temps, entre choisir un script, lancer vos acteurs et filmer le film, mais une fois que vous aurez compris les bases, vous serez prêt. Voir l'étape 1 pour commencer avec le processus de direction.

Première partie de quatre:
Se préparer au tournage

  1. 1 Choisissez un script. Un bon script peut faire paraître un réalisateur même médiocre, alors choisissez judicieusement. Vous pouvez également écrire un script vous-même, si cela vous plait et est bon. Lorsque vous écrivez ou que vous choisissez un script, vous devez vérifier certaines choses qui peuvent vous aider à choisir le meilleur script possible.
    • La structure est la clé d'une bonne histoire. La structure en trois actes est un dispositif couramment utilisé par les scénaristes pour proposer une bonne histoire. Cela fonctionne comme ceci: mise en place (acte 1), confrontation (acte 2), résolution (acte 3). Les principaux tournants se produisent à la fin des lois 1 et 2.[1]
    • Un bon script montre plutôt que raconte. Vous voulez que votre public devine ce qui se passe en fonction du langage corporel des acteurs, de ce qu’ils portent, de ce qu’ils font et de la manière dont ils disent les lignes. Les scénarios sont, par nature, extrêmement visuels.[2]
    • Chaque scène doit être dirigée par une ligne de slug, qui indique si la scène est intérieure ou extérieure, que ce soit la nuit ou le jour et où elle se trouve. (Par exemple: INT. SALON - NUIT.)
    • Lorsque vous décrivez une action, vous ne décrivez que ce qui est visible à l'écran. Par exemple, au lieu de dire "John entre dans le salon. Il est fâché parce que sa petite amie l'a quitté", vous diriez "John entre dans le salon. Il claque la porte derrière lui et frappe le canapé."
  2. 2 Storyboard votre script. Le storyboard est extrêmement important pour que vous sachiez comment diriger chaque scène, quels angles de caméra vous voulez, à quoi vous voulez qu’elle ressemble. Vous n'êtes pas obligé de rester dans le storyboard pendant que vous tirez, mais cela vous donnera une place pour commencer.[3]
    • Les choses que vous allez couvrir sont les suivantes: quels sont les personnages de chaque image, combien de temps s'est écoulé entre l'image actuelle et l'image précédente, où la caméra est dans l'image (à quoi ressemble la photo).
    • Votre storyboard ne doit pas nécessairement être parfait. Il doit simplement vous donner une idée du script et de la manière dont le script doit être tourné.
    • Décidez du ton pour votre film. Un film très rusé sur un détective privé dans les années 20 va avoir une sensation très différente d'une comédie légère sur les dangers de la parentalité. Une bonne façon de faire échouer votre film est de changer de ton à mi-chemin pour que la comédie légère devienne soudain une tragédie sans avertissement. Cela ne veut pas dire qu’une comédie ne peut pas comporter d’éléments de tragédie, ou vice versa, mais votre film, surtout si vous êtes nouveau dans la mise en scène, devrait rester fidèle à un ton.
  3. 3 Obtenez du financement pour votre film. Vous ne pouvez pas faire un film sans une sorte de financement, surtout si vous voulez que ce soit un film que des gens autres que votre famille regardent. L'équipement de tournage coûte de l'argent, vous aurez besoin d'accessoires, d'emplacements, d'acteurs et de techniciens. La plupart de ces choses coûtent de l'argent.
    • Si vous allez au cinéma indépendant, vous devriez quand même essayer de trouver un producteur pour votre film, quelqu'un qui trouvera un financement, qui vous permettra de filmer des lieux.
  4. 4 Lancer des acteurs pour chaque rôle. Si vous êtes à court de financement, vous devrez probablement faire le casting vous-même, mais sinon, c'est une bonne idée d'embaucher un directeur de casting pour faire ce travail. Généralement, un directeur de casting a accès à plus de possibilités pour trouver les acteurs appropriés pour votre film.
    • Vous voulez que les gens qui ont été dans d'autres films comprennent comment cela fonctionne. Les acteurs de théâtre ne sont pas bons pour cela, car jouer dans un théâtre et jouer pour un film est incroyablement différent.
    • Il y a de bons acteurs qui ne sont pas trop chers. Ce que vous recherchez, c'est du charisme et du talent. Cela signifie généralement de ne pas simplement placer vos amis dans les rôles (à moins que vous ne dirigiez un film pour vous amuser, auquel cas, vous en avez).
  5. 5 Trouvez les emplacements, les accessoires et les matériaux. Les films nécessitent des lieux de tournage (une chambre, un salon, un coin de rue, un jardin, etc.). Parfois, vous pouvez filmer gratuitement dans ces endroits et parfois vous devez payer. De même, vous aurez besoin d'accessoires, de costumes, de maquillage et de matériel pour filmer (un micro, des caméras, etc.).
    • Si vous avez un producteur, c'est ce qu'ils vont faire. Assurez-vous d'avoir tout ce dont vous avez besoin et la permission de filmer dans certains endroits. Sinon, vous devrez le faire vous-même.
    • Si vous avez un budget très bas, parlez-en à vos amis et à votre famille. Peut-être connaissez-vous quelqu'un qui sait bien se maquiller pour vous maquiller, ou peut-être que votre tante a des vêtements d'époque dans son grenier.
  6. 6 Planifiez de manière appropriée. Si vous n'avez pas une vision claire et planifiez la façon dont vous allez filmer, à quoi cela va ressembler, le processus de tournage sera difficile. Vous devez disposer des détails et connaître toutes les choses à faire pour réussir un processus de tournage.
    • Créer une liste de tir Il s'agit essentiellement d'une liste numérotée de tous les plans du film décrivant le cadrage, la distance focale, le mouvement de la caméra et les éléments à prendre en compte (comme les problèmes de tournage possibles). Vous pouvez également doubler cela avec le storyboard, peu importe ce qui fonctionne le mieux pour vous.
    • Créez une décomposition de script. C'est essentiellement le processus par lequel vous identifiez chaque élément nécessaire pour filmer le film, y compris l'emplacement, les accessoires, les effets, etc. Encore une fois, ce sera plus facile si vous avez un producteur pour vous aider.
    • Tech Scout avec tous vos techniciens.Cela signifie que vous devez vous rendre sur les lieux de tournage et passer chaque photo avec vos techniciens afin que tout le monde sache exactement à quoi s’attendre pour chaque prise de vue. Vous pouvez discuter des problèmes pouvant survenir (éclairage spécifique, problèmes sonores, etc.).
  7. 7 Planifier les coups. Si vous pouvez obtenir une bonne 1ère AD (assistant réalisateur), vous en aurez envie. Ils sont la personne qui crie au besoin sur les acteurs et qui fait les choses comme il faut, prend toutes les notes pendant le scout technique et planifie tous les plans.
    • Planifier les prises de vue signifie en gros programmer le calendrier de tournage des plans. Ce n'est presque jamais dans l'ordre chronologique, mais a généralement plus à voir avec l'éclairage ou la configuration des caméras.

Deuxième partie de quatre:
Travailler avec les acteurs

  1. 1 Pratiquez le script avant de tirer. Cela semble être une étape très évidente, mais c'est vraiment important. Lorsque vous arrivez au tournage, vous voulez que les acteurs soient à l'aise avec leurs lignes et leur blocage.
    • Commencez par avoir un script détaillé, où vous et vos acteurs êtes assis autour d'une table et parcourez chaque scène. Ils seront plus à l'aise avec les mots, avec vous et entre eux, ce qui facilitera grandement le tournage.
    • Les acteurs vraiment talentueux n'ont pas forcément besoin d'une répétition avant le tournage et il vaut mieux ne pas trop répéter des scènes très émotionnelles pour qu'elles soient fraîches pour le tournage actuel, mais cela ne fonctionne qu'avec des acteurs chevronnés et talentueux. vous travaillez avec des acteurs amateurs, pratiquer le script avant le tournage est une bonne idée.
  2. 2 Assurez-vous que les acteurs ont appris leurs lignes. Un acteur ne peut pas donner une performance stupéfiante sans connaître son script. Vous ne voulez pas qu’ils se présentent soudainement au set le jour du tournage sans avoir appris leurs lignes. C'est pourquoi les répétitions sont si importantes.
  3. 3 Expliquez le sous-texte dans chaque scène. Cela signifie ce qui se passe dans la scène au-delà du simple dialogue. Il indiquera également à un acteur quelles sont les véritables intentions de son personnage, dans la scène et dans le film, ce qui déterminera comment vous les dirigez.[4]
    • Moins c'est plus dans l'action dans un film. Ce que vous voulez pour vos acteurs, c'est une présence forte qui se manifeste même quand ils ne font rien. Un acteur qui peut attirer les spectateurs dans le personnage sans trop faire.
    • Par exemple: John, notre protagoniste en colère venant d’en haut, sera joué différemment selon qu’il déteste sa petite amie de l’avoir quitté ou s’il est toujours amoureux d’elle (ou des deux).
  4. 4 Soyez calme, concentré et clair. Le cliché du metteur en scène en colère est juste un cliché. En tant que réalisateur, vous êtes le responsable (si vous n'avez pas de producteur), ce qui signifie que tout le monde se tournera vers vous pour une direction claire et calme.
    • C'est pourquoi la répartition du storyboard et du script est si importante. Vous pouvez vous y référer pour chaque scène et montrer votre vision à ceux qui travaillent pour vous.
    • Rappelez-vous qu'un film est réalisé à partir des contributions de nombreuses personnes, même si le réalisateur et les acteurs obtiennent la majeure partie du crédit. Il vaut mieux ne pas se comporter comme si vous étiez la chose la plus importante sur le plateau, quand vous faites affaire avec vos acteurs et votre équipe.
  5. 5 Donner des instructions spécifiques. C'est pour les acteurs. Si vous avez expliqué le sous-texte à vos acteurs et votre vision du film, il ne devrait pas y avoir trop de problèmes pour faire ce qu'ils doivent faire dans leurs scènes, mais il est important que vous donniez des instructions spécifiques, même ceux comme "essayez cette ligne encore plus vite".
    • Prenez des notes copieuses. Sur votre liste de prises de vue, notez les éléments critiques de votre appareil photo que vous voulez que vos acteurs fassent. Plus vos commentaires et vos demandes seront clairs et détaillés, plus il sera facile pour les acteurs et l'équipe de donner suite à votre vision.
    • Donner des commentaires négatifs ou détaillés aux acteurs en privé. Vous pouvez même le faire lorsque d'autres personnes sont présentes, du moment que seul l'acteur qui reçoit le feedback l'entend. De cette façon, personne ne sera embarrassé ou offensé.
    • Assurez-vous de donner une rétroaction positive. Les acteurs aiment savoir que leur travail est apprécié et qu'ils font ce qu'il faut. Assurez-vous de leur faire savoir, même si c'est quelque chose d'aussi simple que "J'ai vraiment aimé ce que vous avez fait dans la dernière scène; essayons cela quand nous filmons le plan".
    • Parfois, si vous avez un très bon acteur, il est préférable de le laisser faire son travail sans beaucoup de directives. Même si cela ne va pas toujours dans la direction que vous aviez prévu, les scènes et le film peuvent aller dans une nouvelle direction.

Troisième partie de quatre:
Tournage du film

  1. 1 Connaître les différents types de prises de vue et les angles de caméra. Lorsque vous dirigez, vous devez connaître les différents types de prise de vue, les angles de prise de vue et les mouvements de caméra afin de savoir comment prendre chaque scène et ce que vous essayez d’obtenir de chaque scène. Différents angles et types de prises de vue modifient la sensation d'une scène.[5]
    • Encadrement (ou longueur du plan): plan extrêmement long (généralement une prise de vue située à plus de 400 mètres), plan long (il s'agit d'une prise de "taille réelle" qui correspond à la distance entre le public et l'écran dans un cinéma; il se concentre sur les personnages et les images d'arrière-plan), plan moyen (il est généralement utilisé pour des scènes de dialogue ou un gros plan sur une action donnée et contient généralement 2 à 3 caractères à partir de la taille), un visage ou un objet avec un arrière-plan flou, généralement utilisé pour entrer dans l'esprit d'un personnage), un gros plan (se concentre généralement sur un détail spécifique comme une bouche ou des yeux, généralement utilisé pour une sorte d'effet dramatique).
    • L'angle de la caméra désigne la relation entre la caméra et ce qui est filmé et fournit des informations émotionnelles à l'auditoire concernant l'objet ou le personnage dans la prise de vue. Vue aérienne (montre une scène directement au-dessus de la tête, place le spectateur dans une position divine et rend les choses méconnaissables), un angle élevé (la caméra se trouve au-dessus de l'action à l'aide d'une grue et donne une ce qui se passe), le niveau des yeux (il s’agit d’un angle plus neutre avec la caméra agissant comme un autre humain observant la scène), un angle faible (tend à faire ressentir au public un sentiment d’impuissance ou de confusion) objet il peut inspirer la peur ou la désorientation), angle oblique / incliné (utilisé dans beaucoup de films d'horreur, cette photo inspire un sentiment de déséquilibre, de transition et d'instabilité).
    • Les mouvements de caméra rendent l’action plus lente que les coupes rapides, mais elle peut aussi avoir un effet plus "réaliste". Casseroles (scanne une scène horizontalement), s'incline (scanne une scène verticalement), des coups de chariot (également connus sous le nom de traçage ou de camionnage, où la caméra suit l’action sur un véhicule en mouvement), des prises de vue à main levée rend les coups de main moins saccadés, tout en insufflant un sentiment d’immédiateté et de réalisme), des coups de grue (il s’agit plus ou moins d’un coup de dolly dans l’air), des zooms (cela change le grossissement de l’image, position du spectateur soit lentement soit rapidement), prise de vue aérienne (un plan similaire à celui de la grue, mais pris d'un hélicoptère et utilisé généralement comme un point de départ au début du film).
  2. 2 Entrez à l'heure des appels. C’est essentiellement lorsque l’équipe arrive pour tout mettre en place. Si vous avez un assistant réalisateur, ce n'est pas vraiment nécessaire que vous soyez là, mais c'est une bonne idée de le montrer quand même. Vous pouvez commencer à réfléchir aux coups de feu pour la journée et à réfléchir à la meilleure façon de les faire et de changer quelque chose.
  3. 3 Répétez le tir. Avant de commencer le tournage et pendant que votre équipe technique installe l’équipement, faites passer les acteurs à travers la prise de vue et déterminez ce qu’ils vont faire par rapport à la caméra (où ils se tiennent, quel type de des plans que vous utiliserez, comment ils vont dire leurs lignes).
    • Expérimentez avec le viseur pour tester l'apparence des différents plans. À ce stade, vous voudrez peut-être modifier et redéfinir certaines de vos scènes et scènes pour obtenir la meilleure scène possible.
  4. 4 Configurez le coup. Pour chaque prise de vue, vous devez connaître la distance focale, l'emplacement de la caméra, les repères des acteurs (où ils doivent se tenir, etc.), les objectifs à utiliser et les mouvements de la caméra. Vous allez configurer le plan, en utilisant toutes ces différentes considérations, avec votre directeur de la photographie.[6]
    • Maintenant, en fonction du type de réalisateur que vous êtes et du type de directeur de la photographie que vous avez (peut-être que c'est vous qui décidez des prises de vue), vous devez donner plus ou moins de direction. Discutez avec eux de l'éclairage et de la caméra jusqu'à ce que le coup soit prêt.
  5. 5 Filmez le coup. Le tournage ne prend pas beaucoup de temps et c'est généralement une scène courte qui est en train d'être tournée. Vous parcourez la scène en utilisant le mouvement de la caméra, le placement, etc. que vous aviez déjà couvert avec votre directeur de la photographie. Lorsque vous appelez coupé, vous êtes prêt à passer à l'examen pour voir comment cela s'est passé.
  6. 6 Révisez la prise. Passer en revue la prise de vue sur le moniteur vidéo immédiatement vous permet d’envisager la façon de rendre la scène meilleure, la proximité de la scène avec votre idée originale. Ensuite, vous répéterez la scène jusqu'à ce qu'elle soit à la hauteur de votre examen.
    • Ceci est très différent de revoir les prises dans la salle de montage plus tard. Vous avez le temps, la clarté et la perspective pour voir chaque chose que vous auriez pu faire pour améliorer cette scène.

Partie quatre de quatre:
Finir

  1. 1 Editez le film. Ce que vous essayez de faire à ce stade, c'est de rassembler les éditions du film de manière transparente, fluide et cohérente. En règle générale, vous voulez réduire les actions, de sorte qu'il n'y a pas beaucoup de non-action ennuyant le public. Cela signifie que vous coupez d'un tir à un autre lorsque l'action est exécutée (comme John ouvrant la porte du salon). Vous rejoindrez les plans avec la première partie du mouvement de John dans le plan large et la seconde partie dans un plan plus serré.
    • Couper sur le mouvement transversal est typique d'un tir de révélation. Par exemple, un coup moyen sur deux hommes en train de parler, un homme bouge et révèle de près le visage du méchant.
    • Couper à un cadre vide, où le sujet entre en jeu. Par exemple, il est souvent utilisé avec une personne sortant d'une voiture, où vous ne voyez que le pied. Le pied se déplace dans le cadre vide.
    • Rappelez-vous que vous devez couper environ 2 images de film (soit environ 1 / 12e de seconde) pour que les yeux de votre public passent d'un côté à l'autre de l'écran.
  2. 2 Faites la composition de musique. Pour votre bande son, vous voulez vous assurer que cela fonctionne bien avec le film. Il n'y a rien de pire qu'une partition qui ne correspond pas au ton et à l'apparence d'un film. Lorsque vous discutez de la composition musicale avec votre compositeur, parlez de choses comme le style de musique, l’instrumentation, la vitesse de la musique, les indices musicaux, etc. Un compositeur de musique doit connaître votre vision du film pour obtenir une note appropriée.
    • Écoutez les pistes de démonstration que vous propose un compositeur, afin que vous puissiez garder une trace de la façon dont cela arrive et où des modifications doivent être apportées.
    • Maintenant, si vous faites de la musique vous-même, vous devez vous assurer de ne pas voler de la musique protégée par le droit d'auteur pour votre film, car vous pouvez avoir des problèmes pour cela. Souvent, vous pouvez trouver des compositeurs pour pas cher dans votre ville ou votre ville.Ce ne sera pas un niveau professionnel (mais votre film n'est probablement pas non plus), mais ça peut quand même donner un bon son.
    • Il y a une différence entre la bande son et le score. La bande son est une musique préalablement enregistrée qui correspond à une scène ou une séquence à travers le contenu, le rythme et l'humeur. Score est une musique qui accompagne spécifiquement certaines images ou motifs dans un film (comme le "thème du requin" dans Mâchoires).
  3. 3 Ajoutez le mixage sonore. Cela signifie qu'il faut s'assurer que la bande son convient au film fini et édité. Cela signifie également que vous devez ajouter et ajouter des sons à ajouter ou améliorer des sons déjà en place. Vous pouvez éditer des sons qui ne devraient pas être là (comme un avion qui passe au-dessus) ou éditer des sons qui le devraient.[7]
    • Le son diégétique signifie qu'un son est créé par quelque chose que le public peut voir dans l'image ou le plan. Bien que cela soit généralement capturé lorsque vous filmez, il est presque toujours amélioré plus tard, tout comme l'ajout de sons ambiants (extérieur) et de la pièce (à l'intérieur) pour dissimuler des choses comme un avion au-dessus de vous. le bruit de fond ne laisse pas passer le silence.
    • Un son non diégétique signifie qu'un son provient de l'extérieur de l'image, comme dans une voix-off ou une partition musicale.
  4. 4 Montrez votre film terminé. Maintenant que vous avez tourné votre film et que vous l'avez édité et ajouté tous les différents sons, vous êtes prêt à le montrer. Parfois, cela signifie rassembler des amis et des membres de votre famille et montrer votre dur labeur, mais vous pouvez aussi trouver d’autres moyens, surtout si c’est quelque chose qui est important pour vous.
    • De nombreuses villes et États organisent des festivals de films auxquels vous pouvez participer. Selon la qualité du film, il peut même gagner, mais au moins un public plus large que votre famille et vos amis le verront.
    • Si vous avez un producteur, c'est généralement quelque chose sur lequel ils ont travaillé et vous n'avez généralement pas reçu le feu vert sur votre projet s'il n'y avait pas une distribution planifiée après son achèvement.