Comment filmer un film

Faire son propre film est une entreprise incroyable mais difficile. Le cinéma est l'une des formes d'art les plus collaboratives au monde, nécessitant de nombreuses compétences et talents. Cela dit, filmer un film est très faisable si vous prenez le temps de vous préparer, trouvez quelques mains dédiées et apprenez à rouler avec les coups de poing.

Cet article suppose que le film a déjà été écrit et doit maintenant être filmé. Si vous voulez un aperçu plus général du début à la fin, cliquez ici.

Méthode One of Three:
Planification anticipée (pré-production)

1. 1 Lisez le script 4-5 fois et décidez du ton et de l’humeur de votre film. Quelle est la "sensation" générale du script? Dark et Moody? Comique et optimiste? Est-ce réaliste et réaliste, ou plus ludique et imaginatif? Peut-être que ça tombe dans le centre mort. De nombreux scripts peuvent être abordés de différentes manières, mais vous devez connaître le script à l’intérieur et à l’extérieur avant de continuer.
   • Quand vous lisez le script, pensez au "film" qui vous joue dans la tête. À quoi cela ressemble-t-il? Quelles sortes de couleurs et d'images voyez-vous?
   • Prenez des notes lorsque vous lisez le script - cela vous aidera à communiquer votre vision à l’équipage.
   • Avez-vous vu d'autres films avec des idées ou des styles similaires aux vôtres? Martin Scorsese célèbre ses acteurs pour regarder des tonnes de vieux films avant de tourner comme source d'inspiration.^[1]
2. 2 Faites un storyboard, ou une ventilation visuelle, de chaque scène. Un storyboard est simplement une bande dessinée (en quelque sorte) pour votre film. Alors que de nombreux débutants passent la phase du storyboard, pensant qu’ils y parviendront, c’est le moyen le plus sûr de transformer des scènes simples en tournages de deux jours. Un story-board permet d’étudier les bases de la scène, mais surtout, il compte pour tous les clichés essentiels avant même votre arrivée. Vous pouvez trouver des modèles de story-board gratuits et des logiciels en ligne.
   • Chaque jour de la prise de vue, imprimez les storyboards correspondants et utilisez-les pour cocher chaque photo nécessaire.
   • Utilisez ces storyboards pour hiérarchiser les calendriers de tournage. S'il existe une scène complexe mais essentielle, envisagez de la filmer en premier pour vous assurer que vous obtenez exactement ce que vous voulez.
3. 3 Allez à la recherche de lieux pour chaque scène. Indépendamment du script, notez chaque emplacement unique du film, en créant une liste principale d'emplacements. À côté de chaque emplacement, notez l'heure approximative de la journée dans la scène, si l'ensemble doit changer d'une scène à l'autre et de toute considération ou élément essentiel. Ensuite, prenez la route et commencez à explorer, à traverser des scènes en trouvant des emplacements ou en construisant un ensemble.
   • Vérifiez auprès de vos amis et de votre famille comment utiliser les maisons, les cours et les commerces. Rappelez-vous que vous pouvez repenser un ensemble, ou seulement photographier une petite zone d'une maison, et que personne ne sera plus sage que vous êtes chez votre grand-mère.
   • Les lieux publics nécessitent souvent des autorisations et peuvent être difficiles à travailler sans distractions ni intrusions.
4. 4 Créez une "liste de courses" des accessoires essentiels, ventilés par ceux que vous fabriquez et ceux que vous achetez. Il y aura des accessoires - de faux couteaux, des costumes, etc. - que vous pourrez acheter facilement. D'autres, comme des effets spéciaux ou des accessoires spécifiques à un personnage (comme la mallette dans Pulp Fiction), vous allez devoir faire preuve de créativité avec. Découvrez des sites de bricolage tels que NoFilmSchool ou IndieWire pour vous aider à créer des effets et à trouver de bonnes affaires.
   • Faire vos propres effets et accessoires est presque toujours moins cher, et YouTube est rempli de milliers de tutoriels pour à peu près n'importe quel design.^[2]
5. 5 Faites le point sur votre équipement actuel en visant 2 à 3 caméras et au moins 1 bon microphone. Les coûts d’équipement sont l’une des dépenses les plus importantes que vous rencontrerez lors du tournage, car vous avez besoin de beaucoup de matériel pour que la magie du film se produise:
   • Appareils photo: Vous avez besoin d'au moins 2, bien que 3 soit beaucoup plus standard, car cela vous permet de parler à deux personnes ainsi qu'à une prise de vue principale (qui couvre toute la scène). Vos caméras doivent pouvoir filmer au même format (1080p, 720p, 4K, etc.), sinon elles ne peuvent pas être modifiées ensemble. Sur un budget? Découvrez le Sundance-projeté Mandarine, qui a été entièrement tiré sur iPhone 6s.
   • Microphones: Le public remarque un mauvais son avant de remarquer une mauvaise image.^[3] À la rigueur, votre argent devrait être dépensé dans un super micro, même si ce n’est qu’un micro canon qui se fixe à l’appareil photo.
   • Éclairage: Tout ce dont vous avez besoin, ce sont des lampes à 5-10 pinces et quelques ampoules différentes (tungstène, dépoli, LED, etc.) pour s'adapter à toutes les scènes que vous avez. Cela dit, un kit de lumière professionnel de 3 ou 5 pièces vous facilitera la vie et le rendra beaucoup plus amusant.^[4][5]
   • Autres éléments essentiels: Peu importe ce que vous filmez, vous avez besoin de quelques cartes mémoire et de piles supplémentaires, d'un disque dur de secours et d'un ordinateur portable pour examiner et enregistrer les images lorsque les cartes sont pleines, trépieds, rallonges et multiprises .^[6]
6. 6 Recrutez une équipe pour faire tourner des caméras, des lumières, des effets spéciaux et tout autre travail dont vous avez besoin. Si vous avez de l'argent, rendez-vous sur Craigslist ou Mandy.com et publiez des annonces pour recruter une équipe talentueuse. Si ce n'est pas le cas, rendez-vous sur votre liste d'amis en leur offrant un repas gratuit et un crédit pour leur aide. Lorsque cela est possible, cherchez des amis avec une expérience photo ou cinématographique et des personnes que vous pouvez commander confortablement sans blesser les sentiments. Tu auras besoin:
   • Directeur de la photographie (DP): C'est votre directeur de la photographie, responsable de l'aspect général de chaque prise de vue. Ils prennent le contrôle de la mise en place des lumières et des caméras et travaillent avec vous pour obtenir votre tonalité et votre humeur visuellement. Il est très, très difficile d’être à la fois un PD et un réalisateur, et ce travail est peut-être le plus essentiel à accomplir avec une main expérimentée.
   • Opérateurs de caméras et de microphones: Une personne par caméra et généralement une personne pour tout l'audio.Si vous utilisez une perche, assurez-vous que vous avez un perchiste qui est fort et qui ne craint pas de rester debout toute la journée.
   • Continuité / Scénographie / Maquillage: Mettez quelqu'un en charge de vous assurer que tous les costumes, les accessoires et le maquillage sont cohérents tout au long du tournage.
   • Ingénieur du son: Écoutez tout le son en cours d'enregistrement, en veillant à ce qu'il soit correct. Ils placent également les microphones pour prendre le dialogue après que les lumières aient été réglées.
   • Assistant de production: Si vous le pouvez, essayez de toujours faire circuler une personne "libre", capable de faire tout ce qui est nécessaire à la baisse. Avec autant de pièces mobiles dans un film, elles seront utilisées.^[7]
7. 7 Jetez vos acteurs de l'internet, des écoles d'art locales et des offres payantes. Chaque rôle est différent, comme chaque réalisateur, alors ce que vous recherchez chez un acteur est à vous. Cependant, il y a de bonnes façons d'auditionner les gens pour vous assurer que vous obtenez le meilleur regard sur quelqu'un en peu de temps. C'est toujours une bonne idée de filmer une audition pour que vous puissiez obtenir un second regard lors de la comparaison des acteurs. Parmi les stratégies d’audition possibles:
   • Monologues mémorisés où l'acteur entre et exécute le discours de son choix.
   • Lectures de ligne sont lorsque vous envoyez 2-3 pages de script, qu'ils exécutent avec vous ou un autre acteur dans la salle.
   • Lectures à froid sont quand vous donnez une page du script à un acteur juste quand ils entrent. Ils peuvent le lire une fois, puis ils doivent plonger. Bien si vous voulez des acteurs d'improvisation.

Méthode deux sur trois:
Travailler efficacement sur le plateau

1. 1 Commencez chaque journée par un aperçu des plans et des scènes à capturer. Exécutez ceci par tout l’équipage et lancez-vous dans la matinée, fixant exactement les pages que vous allez filmer. Cela devrait également être connu à l’avance, mais c’est un bon moyen d’amener tout le monde sur la même page. S'il s'agit du tout premier jour de tournage, examinez les rôles et les responsabilités avec chaque membre d'équipage. Un équipage communicatif est efficace, alors donnez un bon exemple.
   • Vous ne devriez pas vous attendre à tirer au maximum 5 à 6 pages par jour dans une production complète.
   • Certaines réunions sont plus cruciales que d'autres - vous aurez probablement envie de parler à votre directeur de la photographie tous les matins au sujet de l'humeur, de l'éclairage et des prises de vues, ainsi que de parler aux acteurs principaux de leurs lignes.
   • Avoir un plan de secours - si un coup de feu est trop long, quels autres coups de feu avez-vous découpés dans le calendrier des jours? Si vous avez plus de temps, quelles scènes pouvez-vous filmer en plus du calendrier?
2. 2 Travailler avec les acteurs pour établir le blocage en premier. Le blocage est l'endroit où les acteurs vont, comment ils bougent et quand ils le font. Même si vous devez être attentif aux lumières, aux caméras et au son, vous pouvez les ajuster pour adapter la scène une fois que vous savez où seront les acteurs et où ils livrent leurs lignes. Reste que le blocage est aussi simple que possible. Les caméras ne capturent qu'une petite partie de l'ensemble, et une chorégraphie compliquée rend le travail de tous beaucoup plus difficile.
   • Si cela vous aide, utilisez du ruban adhésif pour marquer l'endroit où les acteurs doivent se retrouver après chaque scène.
   • Vous n'avez pas besoin des acteurs principaux pour toute la préparation du blocage. Si vous pouvez utiliser des membres d'équipage pour expérimenter le blocage à l'avance, vous pouvez simplement diriger les acteurs vers leurs spots lorsqu'ils arrivent sur le plateau.
3. 3 Travaillez avec votre directeur de la photographie pour définir les angles de la caméra. Si vous faites votre propre film, le meilleur conseil est de considérer chaque photo comme une photo en mouvement. Si vous l'alignez comme une image fixe convaincante, vous obtiendrez un dernier cliché convaincant. Ne tentez pas de tirer des coups sans équipement, comme des caméras fixes et un chariot, à moins que vous ne souhaitiez un tir intentionnel Projet Blair Witch). Pour les débutants, il n'y a que trois coups à maîtriser et ils fonctionneront pour à peu près toutes les scènes:
   • Maîtriser: Il s’agit d’une prise de vue grand angle qui capture tout ou presque l’action de la scène sans avoir à bouger.
   • Deux plans: Une caméra passe en revue l'épaule de chaque acteur dans une conversation, vous permettant de passer d'une perspective à l'autre. S'il y a 3 personnes ou plus dans la scène, essayez de placer au moins deux personnes dans chaque prise de vue. Ces deux caméras devraient couvrir tout le dialogue.
   • Établissant des coups: Ce sont généralement les premiers plans de la scène, utilisés pour placer le public dans la scène (comme suivre un personnage à travers la porte d'une taverne). Dans certains cas, votre maître peut doubler en tant que coup d'établissement.
4. 4 Allumez le coup lorsque les caméras et les acteurs sont réglés. Bien que certaines personnes aiment configurer simultanément les appareils photo et les lumières, vous devrez généralement réajuster les lumières une fois que vous connaîtrez les angles de prise de vue définitifs. L'éclairage d'un plateau de cinéma est une forme d'art en soi, qui prend des années à maîtriser, mais les cinéastes débutants ou indépendants peuvent généralement jouer avec deux styles d'éclairage:
   • Réaliste: Vous aurez besoin de beaucoup de diffuseurs, de lumière qui rebondit sur les murs et le plafond. Vous visez un éclairage uniforme sur toute la scène. Un bon moyen de vérifier cela est de mettre la photo temporairement en noir et blanc. Vous devriez avoir de beaux noirs profonds et un large éventail de gris, avec seulement un peu de blanc brillant pour le contraste. Essayez d’utiliser des «pratiques» - des éclairages intégrés tels que des lampes ou des ventilateurs de plafond, pour vous aider.
   • Artistique ou Dramatique: Utilisez de grandes lumières, des lumières colorées et des contrastes nets pour créer des compositions frappantes, presque irréalistes, comme celles de Sin City, ou même "elle". Bien que l’éclairage dramatique soit toujours amusant à jouer, assurez-vous qu’il a un but si vous vous éloignez du réalisme.
5. 5 Placez vos microphones en dernier, en surveillant les ombres accidentelles ou les micros exposés. Bien qu'un bon son soit sans doute plus important qu'une bonne vidéo pour une prise de vue professionnelle, il doit quand même aller de l'avant pour ne pas s'immiscer dans le tournage. Comme tous les travaux sur le plateau, l'audio est un travail difficile et nuancé, mais cela ne signifie pas que les débutants ne peuvent pas faire du bon travail. En fonction de votre équipement, vous aurez différentes tâches:
   • Boom Pole: C'est un micro puissant sur une longue perche en métal. En général, il est maintenu au-dessus de la ligne de la caméra, le micro pointant vers les visages de l'acteur. Il capte l'incroyable audio, mais il doit être déplacé pour faire face à n'importe quel acteur.
   • Lavaliere Mics: Ceux-ci sont collés sur l'acteur discrètement, comme ces petits micros vus dans les documentaires. Il y en a beaucoup qui peuvent être collés sur la poitrine d'un acteur, sous la chemise aussi.
   • Shotgun Mics: Les micros les moins chers et les plus faciles à utiliser, ils sont simplement placés sur l'appareil photo lors de la prise de vue. Ils sont presque toujours meilleurs que le microphone attaché à la caméra.
6. 6 Commencez chaque tir avec une liste de contrôle professionnelle pour préparer l'équipage. Le dialogue suivant est utilisé, sous une certaine forme, sur presque tous les ensembles de films. Vous pouvez l'adapter à vos propres besoins et tirer, mais vous devriez toujours passer ces contrôles, peu importe comment vous le dites.
   • "Ceci est la photo, calme sur le plateau!"
   • "Roll Sound!" C'est le signal à lancer des micros. La personne audio crie, "roulant!" quand prêt
   • "Roll Picture!" C'est le signal à démarrer les caméras. Quand chaque caméraman (ou le DP) est prêt, ils crient "Vitesse!"
   • "C'est Awesome Wiki Movie, Scène 1, prenez 2. " Claque le clin ou simplement applaudir une fois terminé.
   • Donner 3-5 secondes de silence, ce qui rend l'édition du film beaucoup plus facile.
   • "ACTION!"^[8]
7. 7 Après avoir toutes les lignes et les actions essentielles, prenez votre "couverture"." Ce sont les petits plans faciles à oublier mais qui représentent bien plus de films que vous ne le pensez. Par exemple, lorsqu'un personnage vérifie sa montre, il se peut que son poignet se rapproche de lui pour indiquer l'heure. Vous pouvez également essayer des angles de caméra extrêmes ou amusants pour des lignes ou des moments spécifiques, ou configurer quelques prises de vue artistiques pour les intros et les sorties de scènes.
   • Pensez à quels plans sont essentiels pour raconter votre histoire - par exemple, une photo d'un test que votre protagoniste vient de déclarer comme ayant échoué, une horloge, etc.
8. 8 Examinez vos images à la fin de chaque journée, en notant les nouvelles images. Dans un monde parfait, vous n'aurez plus besoin de reprendre vos activités et, à la fin de la journée, vous obtiendrez des images parfaites et utilisables pour chaque scène. Mais dans le monde fou du cinéma, la journée est rarement aussi simple. Le fait de reprendre la photo ou non est souvent une décision qui dépend de votre temps, de votre budget et de vos acteurs. Vous devez peser combien vous avez besoin du tir par rapport à ce qu'il en coûtera pour recommencer à tirer dessus.
   • Plus tôt vous regardez les images de la journée, plus vite vous pouvez corriger les erreurs si vous en avez besoin.^[9]

Méthode trois sur trois:
Filmer des films plus longs

1. 1 Évitez d'utiliser des logos, des marques commerciales et des droits d'auteur brevetés dans la mesure du possible. Si vous avez un logo Pepsi au milieu de vos scènes, vous risquez de nuire à vos chances de participer à des festivals. Pourquoi? Parce que vous devez de l'argent à Pepsi si le film a été acheté, car ils ont la marque. Cela inclut la musique, ce qui signifie que vous ne pouvez pas utiliser votre chanson préférée des Red Hot Chili Peppers à moins que vous ne puissiez la payer.
   • Dans un pincement, la bande et les marqueurs permanents sont un excellent moyen de cacher des logos sur des objets que vous ne pouvez pas déplacer, comme un four ou un réfrigérateur.
2. 2 Ecrire des contrats, même si vous ne faites que filmer avec des amis. Sur un long film, vous pourriez perdre des semaines de travail si un acteur essentiel monte et quitte à mi-parcours. Les contrats peuvent sembler impersonnels, mais ils sont tout à fait évidents - un contrat vous permet de rester amis en sachant toujours où chacun se trouve. Il y a trop à faire sur un plateau de tournage tel qu'il est - n'ajoutez pas aussi des querelles ou des soucis de paiement et d'horaires.^[10]
3. 3 Prévoyez du temps pour ramasser le B-roll, le métrage connectif qui se remplit entre les scènes. Le B-roll est généralement considéré comme n'importe quelle prise de vue sans lignes orales et images non essentielles qui facilitent la transition entre les scènes. Regardez quelques films et remarquez le petit ou les 1 ou 2 clips, généralement entre les scènes, et notez comment ils déplacent visuellement l'histoire. Pensez-y comme les coups de feu à l'extérieur de la voiture dans un film itinérant, les images épurées de la nouvelle voiture de James Bond et toute autre décoration ou scène purement visuelle.
   • Soyez créatif avec B-roll, c'est vous et la chance du DP d'être astucieux avec beaucoup moins de stress.
   • Assurez-vous que votre b-roll correspond au ton ou à la teneur du film. Punch Drunk Love utilise des couleurs vives et abstraites pour indiquer les sautes d'humeur. Les films d'horreur utilisent des images lentes et sombres. Les films d'action utilisent des paysages extrêmes, extrêmes et dramatiques, etc.^[11]
4. 4 Faites et suivez un budget. Les films deviennent chers, rapidement, mais le pire qui puisse arriver est de manquer de fonds essentiels avec seulement 10 pages à tourner. Une fois que vous avez terminé la préproduction, vous devez tout budgétiser, notamment:
   • Salaires et nourriture
   • Droits à la musique nos sons
   • Transport
   • Accessoires et costumes
   • Équipement de tournage^[12]
5. 5 Sécurisez un éditeur pour votre film. Il y a beaucoup de gens qui ne croient pas et le réalisateur doit éditer son propre travail. Pourquoi? Parce que l'édition consiste à réduire le film à la plus pure des meilleures parties, et la plupart des réalisateurs sont trop attachés au matériel pour le réduire objectivement. Bien sûr, vous donnerez des conseils et regarderez des coupes brutes et fournissez des notes, mais vous devriez chercher en ligne un autre éditeur pour vous aider à parcourir les 100 heures de vos vidéos.
   • Soyez prêt à regarder le film des centaines de fois.Il peut être utile de faire appel à un ou plusieurs amis de confiance pour noter les choses que vous et votre éditeur risque de manquer.
   • Selon les compétences de votre éditeur, vous pouvez également avoir besoin d'un concepteur de sons pour créer des effets sonores et trouver et placer de la musique.
6. 6 Faites maîtriser le film par un professionnel et corrigez les couleurs. Cela coûte généralement entre 1 000 et 5 000 $ pour un long métrage. Le mastering va prendre les volumes audio et les équilibrer dans une piste cohérente, en s'assurant que tout est facile ici et qu'il n'y a pas de transitions discordantes. La correction des couleurs garantit simplement que chaque tir est identique, en corrigeant les petits problèmes et en créant une image finale éclatante.
   • La correction des couleurs n'est pas simplement un aspect technique: elle peut être utilisée pour créer toute l'ambiance visuelle et le motif de la scène en la rendant plus brillante ou plus sombre, plus vibrante ou plus sombre.
7. 7 Traitez votre équipage, les soldats tacites du film, avec amour et respect. Jetez-leur une fête. Achetez-leur de temps en temps du café et des beignets. Beaucoup de ces personnes ne seront jamais bien connues, et elles consacreront autant d’heures que vous le seront à des moments éreintants et fatigants. Il est facile de se souvenir de choyer vos acteurs, mais l’équipage est tout aussi important et mérite toute votre attention.
   • Soyez toujours l'une des premières personnes sur le plateau. Il y aura toujours quelque chose à faire, et cela donne un bon exemple.