La production de hip-hop et de musique pop intègre tous les éléments de la création musicale hip-hop et pop, bien que la «production» se réfère généralement à l’instrument et au non lyrique. Fondamentalement, les producteurs de hip-hop et de musique pop sont des instrumentistes qui font ce genre de chansons.[1] Ce travail implique l'utilisation d'éléments tels que des échantillonneurs, des boîtes à rythmes, des synthétiseurs, des stations de travail audionumériques et des instruments en direct. Équipez-vous pour produire, faire le rythme, ajouter des instrumentaux, inclure des voix si vous le souhaitez et terminer la piste pour que sa qualité soit de premier ordre.

Première partie de six:
S'équiper pour produire

  1. 1 Choisissez entre la production physique et numérique. À moins que vous ne soyez membre d'un groupe ou que vous n'ayez accès à un studio d'enregistrement et que vous ne puissiez convaincre certains amis musiciens de vous brouiller, vous produirez la plupart de votre son sous forme numérique. Vous pourriez également enregistrer un ami batteur ou un riff de guitare malade et utiliser ces échantillons live dans le cadre de la production.
    • Généralement, les échantillons vivants seront les plus naturels. Les auditeurs humains recherchent l'imperfection dans la production sonore et les interprètes vivants ont chacun leur propre style unique et imparfait.[2]
    • Parfois, vous pouvez convaincre vos amis musiciens de participer à un échantillonnage en direct si vous leur accordez un crédit ou si vous les reconnaissez.
  2. 2 Construire ou acheter un ordinateur adapté. Si vous souhaitez produire vos propres pistes de manière indépendante, un ordinateur pouvant exécuter un logiciel de production musicale sera nécessaire. Lorsque vous sélectionnez un ordinateur approprié, prenez en compte:
    • Investir dans un ordinateur portable si vous prévoyez de voyager ou de jouer en direct. Cela vous permettra de jouer plus facilement en direct, car toute votre sélection peut être stockée et transportée sur votre ordinateur portable.
    • Investir dans un ordinateur de bureau si vous prévoyez de produire de la musique par vous-même à la maison. Ces machines exécuteront fidèlement la plupart des logiciels de production audio.
    • Utilisation d’un Mac si vous prévoyez d’utiliser les stations de travail audionumériques (DAW) Pro Tools, Garageband ou Logic. Ces programmes sont soit des versions Mac uniquement, soit conçus pour fonctionner au mieux avec les spécifications Mac.
    • Prioriser la vitesse du processeur. Un processeur 3.0 qui est un dual core ou mieux aidera votre ordinateur à fonctionner de manière fluide avec peu ou pas de décalage.
    • Utilisation de 8 Go de RAM et 500 Go d'espace disque (minimum) pour prendre en charge une vaste bibliothèque de sons et le bon fonctionnement de votre ordinateur.
    • Économiser de l'argent sur votre carte vidéo. À moins que vous ne fassiez également du montage vidéo, une carte vidéo haut de gamme n’ajoutera pas grand chose à votre production musicale.[3]
  3. 3 Investissez dans du matériel d'enregistrement. Le matériel d'enregistrement peut entraîner des dépenses importantes pour vos équipements. La plupart des stations de travail audionumériques (DAW) peuvent produire numériquement des sons, ce qui permet de créer des pistes entières sur l'ordinateur. L'équipement d'enregistrement comprend des éléments tels que les microphones, les rampes, les filtres, les cabines sonores, etc.
    • Les enregistrements de joueurs en direct sont généralement plus chauds et nécessitent moins de finition. Les ondes sonores isolées peuvent sembler froides, ce qui peut être corrigé au stade final du processus de production.
  4. 4 Sélectionnez une DAW appropriée. Une station de travail audionumérique (DAW) vous donnera la plus grande liberté de production. De nombreuses DAW sont équipées de boîtes à rythmes numériques, de synthétiseurs, de bibliothèques de soundbites, etc. Parmi les logiciels DAW les plus utilisés, citons:
    • Image-Line FL Studio est le précurseur de la plate-forme Fruity Loops. Cette puissante DAW comprend une politique de mise à jour gratuite à vie de Image-Line.
    • Ableton Live est puissant en tant que programme d’enregistrement pour compositeurs et fonctionne bien comme instrument de performance. Ce programme est pris en charge par le matériel d’interface tel que le contrôleur Push 2, qui permet une production musicale de type physiquement réactive (production de son par touches).
    • Steinberg Cubase Pro offre des options d'interface uniques, telles que l'échantillonnage chromatique et la fenêtre de projet de la zone inférieure pour améliorer le mixage et d'autres panneaux / onglets de réglage fin.[4]
  5. 5 Achetez des accessoires de production et d'enregistrement appropriés. Il peut être difficile de capturer la nature explosive d'un instant musical en ne traitant que des informations sonores abstraites dans des fichiers informatiques. Les équipements de production physique et d'enregistrement, tels que les boîtes à rythmes, les microphones, les synthétiseurs, les claviers, les guitares électriques et les contrôleurs peuvent rendre la production et l'enregistrement plus intuitifs et interactifs.[5]
    • Identifiez les pièces d'équipement que vous utiliserez probablement souvent dans votre production. Par exemple, si vous aviez une formation musicale en piano, un clavier de qualité serait probablement un investissement utile.
    • Ce type d'équipement peut coûter très cher. Construire des accessoires de production et d'enregistrement nécessite généralement du temps et des investissements continus.
    • Même si cet équipement peut être utile, la production de musique en boîte, comme les boîtes à rythmes, nécessite souvent une finition poussée avant de sonner de manière naturelle.[6]

Deuxième partie de six:
Faire un battement

  1. 1 Créez la ligne de basse. C'est la base de votre piste. La ligne de basse sera la tonalité la plus basse de la piste, généralement un son de batterie ou de clavier. Il est souvent répétitif et régulier, bien que certaines lignes de basse se caractérisent par une structure plus complexe, comme la batterie et la basse, qui utilisent un rythme syncopé.[7]
    • Utilisez le rythme régulier d’une grosse caisse pour créer une ligne de basse de base.
    • Comptez les rythmes et ajoutez des temps décalés, comme une seizième note exécutée sur les deuxième et quatrième temps de votre ligne de basse.
    • Vous ne savez jamais ce que vous inventerez lors de la fabrication de votre ligne de basse. Laissez vos instincts vous guider. Ne cherche pas la perfection. La création d'un point de départ est l'objectif de cette étape.[8]
  2. 2 Incorporer des percussions supplémentaires pour la variété. La batterie et les cymbales donnent beaucoup de punch aux pistes que vous produisez. Une grosse caisse stable (ou grosse caisse) peut fonctionner pour la ligne de basse principale, mais un roulement de tambour sur une caisse claire ou le claquement d'un chapeau ajoutera de la profondeur à votre ligne de basse.
    • Ces riffs de percussion se produisent généralement à intervalles réguliers ou dans le cadre de boucles sur une piste.La fréquence de ceux-ci dépendra de votre style et de vos préférences.
  3. 3 Bouclez la ligne de passage de la basse et prévoyez des digressions si vous le souhaitez. La ligne traversante de votre basse sera le thème répété et régulier de la partie basse. Cela, cependant, changera parfois pour mettre en valeur des solos, pour mettre en évidence des parties, pour mettre en lumière des duos ou des voix instrumentales, etc. Ces digressions empêchent votre bassline de devenir trop répétitive et ennuyeuse.
    • Un pont est un interlude musical relié à la ligne principale d'une chanson, généralement au milieu de la chanson. Expérimentez avec les changements de rythme, de mélodie et plus encore lorsque vous incluez des ponts dans vos pistes.[9]
    • Veillez à ne pas ajouter trop de pièces à votre ligne de basse. Trop de variété instrumentale peut entraîner un son boueux. Deux à trois instruments seraient les plus appropriés pour commencer. Utilisez des modèles simples et reproductibles.[10]

Troisième partie de six:
Ajout de parties instrumentales

  1. 1 Construis la mélodie. La mélodie de votre chanson est la partie principale d'une chanson qui monte et descend, créant le motif autour duquel le reste de la piste est structurée.[11] Pensez à la mélodie comme la partie principale d'une chanson avec laquelle vous fredonneriez.
    • Choisissez un instrument principal pour votre mélodie. Les choix populaires incluent la guitare, le clavier, les cors (comme les trompettes ou les trombones), les orgues, les sons de synthé, les instruments à vent (flûtes, clarinettes), etc.
    • Demandez à votre mélodie de parcourir une gamme de tonalités pour lui donner un contour. Séparez les tonalités pour sauter vers le haut ou le bas. Faites des accords en jouant des sons ensemble.
    • N'ayez pas peur d'utiliser le silence. Ajouter une légère pause (souvent appelée «repos» dans la musique) peut créer une tension.
    • Votre mélodie devrait consister en un seul instrument. Dans certains cas, une paire d'instruments peut également être utilisée. Lors du démarrage, l'utilisation de plusieurs instruments peut entraîner une confusion ou une sursaturation du résultat final de votre piste.[12]
  2. 2 Accentuer la mélodie avec d'autres instruments. Deux instruments sont un bon point de départ. Trop d’instruments dans votre piste peuvent alourdir le son, le rendant lourd et indistinct.[13] Jouez ces instruments d'accent en harmonie avec la mélodie. Ajoutez-les dans la mélodie pour accentuer le contour général de la ligne.[14]
    • Les instruments populaires utilisés en complément de la mélodie sont les suivants: clavier (notes rares), trompettes, trombones, flûtes, clarinettes, marimbas, accordéons, cornemuses et autres.
  3. 3 Insistez sur les parties importantes de votre piste. À un moment crucial, comme après avoir accumulé une certaine tension dans votre piste et que vous vous apprêtez à abandonner le rythme, vous pouvez ajouter de l'emphase avec des riffs instrumentaux. Celles-ci sont particulièrement populaires sur la guitare et le piano et peuvent souvent être utilisées efficacement dans les accords de puissance.
    • Quelques notes d'accentuation à des notes basses et basses dans votre morceau peuvent ajouter de la profondeur et un sens aigu à la tonalité générale.
    • Des sons inhabituels, comme l'utilisation emblématique des gazouillis d'oiseaux par DJ Premier pour mettre en évidence le puissant drumline, peuvent avoir un effet profond sur votre morceau.
    • N'oubliez pas de garder les choses simples lorsque vous ajoutez des instruments à votre mélodie et à votre ligne de basse. Il est facile de se laisser emporter, mais cela peut avoir un impact négatif sur l'équilibre instrumental de votre chanson.[15]

Partie quatre de six:
Y compris les voix

  1. 1 Produire la voix principale. Vos voix principales sont généralement chantées par une seule personne. Dans la plupart des cas, la voix principale suit la mélodie au rythme de la ligne de basse, bien qu’un chanteur puisse parfois s’harmoniser avec la mélodie instrumentale ou vice versa.[16] Selon la piste que vous produisez, vous pouvez même laisser de côté les voix.
    • Ecrivez les paroles de votre chanson qui ont un sens pour vous ou qui correspondent au sentiment que vous souhaitez transmettre avec votre chanson.
    • Au début, un ensemble de voix principales pourrait être le meilleur. Les voix secondaires, comme celles d'un chanteur invité ou d'un duo, peuvent être efficaces dans votre morceau, mais peuvent être difficiles à équilibrer tout en apprenant les bases de la production.
  2. 2 Intégrez le chant de fond pour l'harmonie. Il y a des moments, comme à la fin d'un couplet ou du refrain, où la voix principale peut souvent être naturellement accentuée par l'harmonie. Expérimentez en ajoutant des voix harmoniques à des moments de haute tension, aux extrémités de phrases musicales et aux parties de la chanson que vous souhaitez mettre en valeur.
    • L'ajout d'un trop grand nombre de voix harmoniques, un peu comme l'ajout d'un trop grand nombre d'instruments, peut ralentir votre son et le rendre boueux. Utilisez les voix harmoniques de soutien avec parcimonie.[17]
    • Votre placement de ces voix est finalement une question de préférence et de goût. Expérimentez en harmonisant à différents points de la chanson et en voyant ce que vous aimez.[18]
  3. 3 Superposer les voix principales pour les mettre en valeur. C'est un bon moyen de limiter les voix supplémentaires à brouiller votre son. Lorsque vous souhaitez accentuer, par exemple à la fin d'une phrase ou sur des paroles de tueur, doubler ou tripler la voix principale pour créer un son plus complet.
    • Vous pouvez modifier les tonalités des overdubs pour créer une harmonie avec une seule voix. L'accord créé par ces sons sera naturellement agréable car ils sont produits par la même voix.[19]

Cinquième partie de six:
Finir votre trace

  1. 1 Obtenez un deuxième avis. Demandez aux autres d'écouter votre chanson. Soyez prêt pour la critique. Écoutez attentivement les commentaires des autres. Adoucir les sons perçants et étincelants, ajouter de la substance aux parties qui manquent à vos auditeurs. Cela peut impliquer d'ajouter plus d'instruments ou d'équilibrer simplement le volume.
    • Commencez par demander à vos amis et à votre famille d’écouter votre morceau. Cependant, ces personnes se soucient souvent de vos sentiments et peuvent ne pas vous donner l'évaluation la plus honnête.
    • Après avoir un peu confiance en vous, écoutez votre morceau avec une personne qui n'est pas aussi proche de vous, comme une connaissance ou un collègue ayant des goûts musicaux similaires.[20]
  2. 2 Mélangez votre piste. Maintenez le volume modérément bas lors de cette opération. Sur de longues sessions de mixage, le volume a tendance à remonter, ce qui peut nuire à votre audition. Pièces de code couleur pour améliorer l'efficacité lors du mélange. Équilibrez les volumes des parties de votre piste et accentuez les parties saillantes.[21]
    • Les outils de compression peuvent vous aider à maintenir un volume constant sur votre piste. Des versions numériques de celles-ci sont disponibles dans les DAW ou les progiciels supplémentaires.
    • Un schéma de couleurs commun pour améliorer l'efficacité du mixage utilise le violet pour la basse, le bleu pour la batterie, le rouge pour la voix et l'orange pour les instruments. [22]
  3. 3 Maîtriser la piste. Jetez un coup d'œil à la gamme audio de la piste dans son ensemble dans un programme de mastering. Cela peut être un programme distinct ou une partie de votre DAW. Regardez les fondus, les paramètres du son (quelle est sa taille). Adoucissez et arrondissez les parties extrêmes pour rendre le son fluide et transparent.[23]

Partie six de six:
Devenir un producteur à succès

  1. 1 Publiez vos chansons. Les pistes que vous produisez ne gagneront en popularité que si vous les mettez à la disposition du public. Publiez vos chansons sur des plateformes comme YouTube, SoundCloud, Bandcamp, Spotify, etc.[24] Inclure des balises pertinentes pour vos chansons afin que les auditeurs puissent rechercher et trouver votre musique plus facilement.[25]
    • Incluez des balises spécifiques à un genre, comme une balise hip hop ou pop, et des sous-genres, le cas échéant, comme Electro Pop.
    • Gardez un œil sur les titres que vous publiez. Les pistes avec beaucoup de goûts, de commentaires positifs ou de réponses positives peuvent guider votre production de pistes futures.
  2. 2 Cultiver une suite à travers les médias sociaux. De nombreux fans aiment savoir ce que leurs artistes préférés disent des événements quotidiens. Interagissez avec vos fans sur Twitter, Facebook, YouTube et les sites de réseaux sociaux similaires. Utilisez les médias sociaux pour communiquer avec les DJ et les producteurs locaux de votre ville ou région. Publier des informations sur les pistes à venir.[26]
    • Développer un suivi sur les médias sociaux peut être très compliqué. Dans de nombreux cas, les producteurs utilisent un publiciste ou un agent pour gérer leurs comptes de médias sociaux.
    • Parrainez des concours de médias sociaux, tels que des séances de questions-réponses individuelles ou des cadeaux promotionnels.[27]
  3. 3 Réseau avec des professionnels de la musique. Faites une carte de visite et apportez-la aux clubs et aux événements musicaux en direct. Remettez votre carte aux DJ, aux coordinateurs d'événements, aux responsables de clubs et à d'autres personnes. Assistez à des soirées et à des spectacles pour consolider vos relations avec des connaissances impliquées dans la production musicale.[28]
    • Si vous recevez les informations de contact d'une personne impliquée dans la scène musicale, envoyez-leur un message amical ou une invitation à collaborer.[29]
  4. 4 Effectuez vos pistes ou demandez aux DJ locaux de les interpréter. Allez sur scène en tant que DJ et présentez vos morceaux. Si vous êtes plutôt un producteur en coulisse, contactez des DJ ou des planificateurs de musique de club locaux via les réseaux sociaux ou des connexions personnelles. Présentez-leur votre meilleur travail, puis voyez s'ils joueront l'une de vos chansons.[30]