L'animation est facile à comprendre mais difficile à maîtriser. Il y a autant de styles d'animation qu'il y a d'animateurs, et commencer par un court métrage est un excellent moyen de pratiquer les techniques d'animation en développant votre style "signature". Comme pour tout autre film, l'animation prend du temps, de la patience et beaucoup de planification pour réussir, mais toute personne disposant d'un ordinateur peut réaliser un court métrage d'animation.

Méthode One of Three:
Faire une animation (pré-production)

  1. 1 Ecrivez un script. Cela est souvent plus facile à dire qu'à faire, mais vous devez noter clairement vos idées et leur donner une structure avant de commencer à travailler. Contrairement à l'action en direct, il est presque impossible "d'improviser" un film d'animation, car il faut simplement trop de temps pour tout animer. Vous pouvez utiliser un logiciel Word simple ou un logiciel d’écriture de script tel que Celtx, Writer Duets ou Final Draft. Votre script n'a pas besoin de dialogue, mais il nécessite:
    • Un thème. Quel est le "point" du court métrage? Cela n'a pas besoin d'être grand, profond ou compliqué. Cela peut aller de «la perte de l'innocence de l'enfance» ou «l'ennui est un état d'esprit» à «je veux faire rire les gens avec cette blague». Pensez-y comme un principe directeur pour votre film.[1]
    • Personnages. Qu'est-ce qui retiendra l'attention de votre public? Cela peut aller d'une personne ou d'un animal à une ligne sinueuse, comme le court-métrage «The Dot and the Line: A Romance», qui a remporté un Oscar.
    • Visuels. Où le court-métrage a-t-il lieu? Quelle est l'ambiance ou l'atmosphère? Un scénario doit raconter l'histoire du court-métrage en entier afin qu'il puisse servir de modèle pour les travaux futurs.[2]
    • Un début, un milieu et une fin. Cela semble évident, mais c'est le but - presque toutes les histoires sont racontées dans trois parties ou actes spécifiques et délimités. Cela ne veut pas dire toi doit avoir une histoire en trois actes, ou même des "personnages". Vous devez cependant réfléchir à l’action du court-métrage avant d’aller de l’avant.[3]
      • L'Acte 1 présente les personnages et un problème (ils ont faim, le monde se termine, le garçon a le béguin pour quelqu'un, etc.)
      • L'acte 2 complique l'histoire / le problème (tous les magasins sont fermés, le méchant peut gagner, la personne a déjà un petit ami, etc.).
      • L'acte 3 apporte une solution au problème (ils trouvent une sandwicherie, ils sauvent le monde, le garçon rencontre une autre personne, etc.)
  2. 2 Modèles de caractères d'esquisse. Avant de commencer à animer, vous devez savoir à quoi vont ressembler vos personnages. Dessinez-les dans une variété de poses, de costumes et d’expressions pour avoir une idée de ce à quoi ils ressembleront. Rappelez-vous qu'un personnage peut être n'importe quoi dans un film d'animation, d'un ours à une paire de salières et de poivrières. Cependant, vous souhaitez développer vos personnages à l'avance afin qu'ils soient cohérents lorsque vous les animez.
  3. 3 Dessine un storyboard. Les storyboards sont des dessins individuels pour chaque action du script et sont utilisés dans la production de presque tous les films - animés ou non. Ils sont à la fois simples et complets, car vous en avez besoin pour chaque changement que vous souhaitez dans le film. Cependant, ils n'ont pas besoin de détails de fond ou de couleur, à moins que cela ne soit essentiel à l'histoire. Vous pouvez trouver et imprimer une variété de modèles de story-board gratuits en ligne, ou dessiner les vôtres. Chaque cadre du storyboard comporte deux parties:
    • L'image: Dans une boîte rectangulaire, dessinez l’action principale de la photo, en ignorant les images de fond pour le moment. Vous pouvez également dessiner des notes ou des flèches pour indiquer le mouvement.
    • Le dialogue. Sous le plan, écrivez ce qui doit être dit dans la prise de vue, la longueur proposée de la prise de vue et tous les effets (zoom avant, caméra tremblante, etc.)[4]
  4. 4 Importez votre storyboard dans un programme de tournage, en sauvegardant chaque image individuellement. Une fois vos plans planifiés, importez-les dans votre ordinateur. Assurez-vous de les nommer correctement (Act1.Scene1.Shot1.jpg, par exemple). Lorsque vous avez terminé, importez-les toutes dans votre logiciel de montage de film (iMovie, Windows Movie Maker, Final Cut Pro, Adobe AfterEffects, etc.) et placez-les dans le bon ordre.[5]
    • Adobe AfterEffects ou Premier sont considérés comme les normes de l'industrie, mais vous pouvez utiliser n'importe quel programme avec lequel vous êtes le plus à l'aise.
  5. 5 Utilisez votre storyboard pour créer un diaporama temporisé ou animatique. Les animations sont les formes les plus difficiles de l’animation: elles permettent d’accélérer le rythme et le rythme du court métrage et vous permettent de choisir le bon timing pour votre dernier short. Cela semble compliqué, cependant, ils ne sont vraiment que des diaporamas avec un bon timing. Placez les images du storyboard dans l’ordre de votre logiciel d’édition et prolongez, découpez et jouez avec elles jusqu’à ce que vous ayez une découpe "approximative" du film final.[6]
    • Vous pouvez trouver des exemples d'animatiques en ligne, comme l'animatique pour le clip "Feel Good Inc." ainsi que des animatiques Pixar.
    • Presque tous les films d'animation sont d'abord transformés en animatics. Sinon, vous risquez de passer des heures à animer entièrement une scène qui doit être modifiée, allongée ou raccourcie, ou supprimée.
  6. 6 Ajoutez le dialogue et les effets sonores et ajustez le timing de l'animatique selon vos besoins. Une fois que votre temps est écoulé, il est temps de pré-enregistrer le dialogue. Cela ne doit pas nécessairement être parfait et vous pouvez même simuler les effets sonores avec votre bouche et vos mains si vous le souhaitez. Ce qui compte, c'est le timing. Avez-vous assez de temps dans le "tir" pour faire sortir tous les mots? Étendre ou raccourcir la longueur de vos diapositives si nécessaire.
    • Plus vous pouvez vous rapprocher de la boîte de dialogue, meilleure sera la qualité de la voix. Cela dit, ce n’est pas le moment de s’inquiéter des détails plus fins de la voix. Vous devez rassembler vos animatiques avant de passer à la production complète.
  7. 7 Examinez votre animatique comme s'il s'agissait du film final. L'animatique final devrait raconter toute l'histoire de votre film, sans tenir compte de la couleur, des arrière-plans et des détails.
    • Si vous connaissez le montage vidéo, vous pouvez ajouter des panoramiques, des zooms et des transitions dès maintenant pour les tester avant votre édition finale.
  8. 8 Pensez à acheter une tablette. Les tablettes sont de petites tablettes informatiques fournies avec un stylo électronique, ce qui vous permet de "dessiner" directement dans votre ordinateur. Bien dessiner avec une souris est presque impossible, et à moins que vous ne planifiiez de petits projets ou des travaux en stop-motion, vous aurez presque besoin d'une tablette.

Méthode deux sur trois:
Animation de votre film (production)

  1. 1 Déterminez votre support d'animation. Cela dépend généralement de votre expertise et de votre matériel. Par exemple, il est très difficile, voire impossible, pour un débutant avec un ordinateur plus ancien, de faire des animations 3D comme Pixar. Il existe un grand nombre de logiciels et de styles d’animation, et tous ont des subtilités et des techniques propres au logiciel.
    • Animation 2D: Ceci est le dessin classique, look dessiné à la main. Les caractères sont des dessins au trait plat. À l'origine, ils étaient dessinés image par image, mais il existe désormais une variété de logiciels qui accélèrent le processus, tels que Synfig, Pencil2D, ToonBoom ou même Adobe Photoshop. Traditionnellement, vous utilisez 12-24 dessins par seconde de film.
    • Animation 3D: Semblable aux modèles utilisés dans les jeux vidéo et les films comme Histoire de jouet et Shrek, L'animation 3D est beaucoup plus difficile à maîtriser. Vous créez des modèles des personnages et du code en eux, faisant de l'animation 3D une sorte d'hybride artistique / codant. Vous devez également ajouter de l'éclairage et des textures. Le logiciel 3D peut être utilisé, mais il prend beaucoup de temps et nécessite des logiciels comme AutoDesk, Poser Pro, Aladdin ou Sketchup. La plupart des animations 3D sont le résultat de la collaboration entre de grandes équipes.[7]
    • Stop motion: Si simple que quiconque puisse le faire, stop-motion, c'est quand vous utilisez des figures ou des dessins réels et que vous prenez une photo après chaque petit mouvement. Lorsque les images sont lues à grande vitesse, cela ressemble à du mouvement. Cela prend énormément de temps, cependant, vous avez souvent besoin de plus de 12 photos par seconde des images pour le rendre lisse. Vous pouvez utiliser des découpes, des modèles en argile, des dessins individuels ou des personnes réelles pour le réaliser.[8]
    • Rotoscopie: Une forme d'animation de niche trouvée dans les films comme Un scanner sombre, la rotoscopie s'anime en plus des films conventionnels. Vous aurez besoin d'une tablette et vous parcourrez le métrage image par image, en utilisant la vidéo en direct comme guide pour dessiner les personnages. Le résultat est réaliste, mais toujours animé.
  2. 2 Dessine tes arrière-plans. Commencez avec vos paramètres, car les caractères se superposent à eux. Le fond devrait être tout ce que les personnages n'interagissez pas avec, comme tout ce qui bouge doit être animé. L'arrière-plan devrait être un grand dessin et numérisé en haute résolution. Cela vous permet de "zoomer" sur certaines sections sans distorsion. Par exemple, si vous avez deux personnages parlant dans un café, vous voulez dessiner tout le café derrière eux. Mais vous voudrez peut-être que la "caméra" se concentre sur chacun des personnages lorsqu'ils parlent individuellement. Au lieu de retracer l'arrière-plan derrière lui, vous pouvez copier et coller une section plus petite de votre arrière-plan détaillé pour les «gros plans».[9]
  3. 3 Esquissez, modélisez ou concevez vos «poses clés»." Quelles sont les poses essentielles de vos personnages ou les actions que chacun fait dans la scène? Considérez ces derniers comme les "destinations" de chaque mouvement. Prenez, par exemple, un personnage qui se prépare pour un coup de poing. Vous pouvez diviser cela en trois "poses de touches", chacune devant être dessinée et enregistrée séparément.[10]
    • Key Pose 1 = Repos. Cela peut être un visage de surprise, de colère ou de détermination, ou simplement le personnage avec ses mains à ses côtés.
    • Key Pose 2 = Enroulement. Comment le personnage ramène-t-il son bras? Ne vous inquiétez pas encore du mouvement pour arriver à cette position, il suffit de les tirer avec leur bras en arrière et prêt à relâcher.
    • Key Pose 3 = The Follow Through. Où le personnage se retrouve-t-il juste après le coup de poing? Leur bras sera exposé et leur corps suivra probablement. Encore une fois, vous voulez la pose finale, pas les images pendant que la main traverse.
    • Plus vous posez de poses clés, plus le mouvement sera complexe. Par exemple, vous pouvez ajouter des images-clés au personnage qui semble choqué, se serrer en un coup de poing, laisser tomber son coude, balancer son bras, frapper, puis faire demi-tour.
  4. 4 Dessine les cadres "entre-deux". Prenez le coup de poing par exemple - comment obtenez-vous de la clé à la clé? Il existe des logiciels avancés qui le feront pour vous - une fois que vous aurez créé des modèles de caractères, le logiciel "rendra" le mouvement entre vous. Cependant, si vous débutez, vous devrez probablement dessiner vos propres cadres à la main. Plus vous dessinez d'images, plus l'action sera lisse.
    • Il peut être utile de placer vos images clés à l’écran en tant que guides. Cela vous aide à voir où vous devez obtenir les personnages et où ils ont commencé.
    • Si quelque chose ne bouge pas, ne vous embarrassez pas. Copiez et collez l’image-clé, effacez la partie qui doit être déplacée et conservez tout le reste là où elle était.
  5. 5 Composite le métrage. Le compostage est simplement une façon sophistiquée de décrire le film ensemble. Cela peut être aussi simple que de commander toutes les images pour stop-motion ou aussi compliqué que de rendre un modèle 3D avec un éclairage précis. Encore une fois, votre méthode d'animation déterminera comment vous composez quelque chose:[11]
    • Pour les animateurs 2D, la composition consiste à rendre le mouvement plus fluide. Des logiciels comme ToonBoom le feront pour vous et peuvent être appelés "rendu".
    • Pour les animateurs 3D, sachez que cela prend beaucoup de temps. Les effets d'éclairage et les textures sont difficiles à programmer, et même les ordinateurs les plus rapides peuvent prendre des heures pour composer une vidéo.
    • Pour les animateurs en stop-motion, vous devez jouer avec la longueur de l'image, en ajustant les images d'un dixième ou d'un centième de seconde pour obtenir un mouvement fluide et fluide.[12]

Méthode trois sur trois:
Finir votre film (post-production)

  1. 1 Enregistrez une boîte de dialogue pour le film final. Maintenant que l'animation est presque terminée, il est temps de bien faire les voix. Vos acteurs de la voix peuvent voir la scène finale, les expressions de leurs personnages et le timing que vous voulez dans votre tir final. Cela leur permet (ou vous) de fournir la meilleure performance vocale.
    • Notez qu'à ce stade, toute modification de l'animation peut prendre beaucoup de temps. C'est pourquoi une pré-production minutieuse est essentielle pour un film d'animation de n'importe quelle longueur.
  2. 2 Ajoutez des effets sonores le cas échéant. Les effets sonores devraient venir après les acteurs de la voix, et accordés sur le volume approprié où ils ne maîtrisent pas le dialogue. Il y a quelques exceptions à cette règle, bien sûr. Par exemple, s'il y a une explosion à laquelle les personnages doivent réagir, il est préférable de la placer en premier, avant d'enregistrer le dialogue. Cela aide les acteurs à réagir.[13]
    • Le mixage sonore est une forme d'art importante et subtile. Investissez dans une bonne paire d’écouteurs et / ou de haut-parleurs pour régler correctement tous les volumes.
  3. 3 Coupez le film dans votre vision finale. Maintenant que vous avez tout le film ensemble, comment ça se passe? Les chances sont que certaines des transitions se sentent maladroites et une scène ou deux va plus longtemps que prévu. Tout comme vous éditez n'importe quel film d'action en direct, vous devez porter un regard critique sur votre morceau animé et le polir jusqu'à ce qu'il brille. Bien qu'il n'y ait pas de moyen "correct" pour éditer un film, il y a quelques principes à garder à l'esprit:
    • Des scènes se sentent-elles rapides et essentielles? Vous sentez-vous engagé tout le temps? Est-ce qu'une ligne ou un tir spécifique aide à faire avancer l'histoire ou le thème? Si la réponse à l'une de ces questions est non, commencez à rogner. Souvent, la première et la dernière ligne de dialogue sont inessentielles, car sauter directement dans une scène est généralement plus attrayant. Chaque image compte lors de l'édition.
    • Regardez le film avec quelqu'un qui est éloigné du projet. Y a-t-il eu des parties ennuyées? Est-ce que quelque chose les a déroutés ou besoin de plus de temps? Comment pouvez-vous couper et couper votre histoire pour la rendre aussi saisissante que possible?
    • Comment la scène coule-t-elle ensemble? Parfois, 2 à 3 secondes de métrage d'arrière-plan aident le spectateur à reprendre son souffle et à plonger dans la scène suivante avant que le dialogue ne commence.[14]
  4. 4 Ajoutez vos touches de polissage, comme les effets, les transitions et la correction des couleurs. Par exemple, si vous voulez une teinte sépia ancienne pour votre film, ajoutez-la en dernier. Ces petites modifications sont inutiles lorsque vous rognez, découpez et créez votre film. De plus, ils seront inutiles si vous coupez la scène ou changez le schéma de couleurs. Toutes ces petites touches doivent venir en dernier, une fois que vous êtes sûr que la "viande" du film est terminée.
    • Ajoutez des lingettes, des fonds dissous ou des fondus aux transitions de scène.
    • Ajoutez des filtres ou des effets sur le métrage fini.
    • Ajouter des titres et des crédits au début et à la fin si nécessaire, à la toute fin.